Still Brazil - Paço das Artes

Visitação

30/01/2018 a 18/03/2018

Em Still Brazil, Daniel Jablonski dá forma a uma extensa pesquisa acerca da representação da imagem do Brasil em outras culturas, com foco em obras cinematográficas

O Paço das Artes — instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo — inaugura no dia 30 de janeiro, Ã s 19h, Still Brazil, de Daniel Jablonski, primeira mostra da Temporada de Projetos 2018. A exposição fica em cartaz até 18 de março na sala expositiva do térreo do MIS (av. Europa, 158) com entrada gratuita.

Em Still Brazil, Daniel Jablonski dá forma a uma extensa pesquisa acerca da representação da imagem do Brasil em outras culturas, com foco em obras cinematográficas. Os diferentes trabalhos que compõe a exposição — áudios, vÃdeos e objetos — se articulam organicamente ao redor de uma coleção de 150 stills (capturas de telas) de filmes de ação estrangeiros das mais diversas épocas e nacionalidades.

As imagens capturadas, congeladas no momento em que surgem as palavras —Brazil— ou —Brazilian—, fazem mais do que reforçar os clichês atribuÃdos ao paÃs e o que seria uma suposta —brasilidade—. Quando analisadas em conjunto, elas apontam para um fato importante: as referências ao Brasil não tem função real nas tramas, mas funcionam apenas como uma forma de contraponto. Assim, o paÃs surge como uma espécie de avesso dos roteiros, um lugar imaginário no qual todas as promessas, sonhos ou fugas dos personagens são enviados sem qualquer perspectiva de realização.

Apropriando-se de imagens de filmes e suas trilhas sonoras, o trabalho de Jablonski busca evidenciar o fato de que não há apenas uma visão sobre o Brasil no exterior, verdadeira ou falsa, mas uma extensa diversidade de possÃveis representações, na qual o público pode tanto se identificar com os clichês como também repensar sua própria identidade.

Além do trabalho de Daniel Jablonski, o júri da Temporada de Projetos 2018 – formado por Clarissa Diniz, Diego Matos, Lúcio Agra e Priscila Arantes – selecionou o projeto curatorial de Juliana Caffé e os projetos artÃsticos de Alex Santos, Felipe Braga, Flávia Mielnik, Guerreiro do Divino Amor, Ismael Monticelli, João Gonçalves, MaÃra Dietrich e Naiana Magalhães, que serão expostos ao longo do ano. Os locais e perÃodos de exibição serão divulgados em breve.

Sobre o artistaDaniel Jablonski é artista visual, professor e pesquisador independente. Sua produção multifacetada, conjugando teoria e prática, investiga o lugar do sujeito na formação de novas mitologias e discursos do cotidiano. Suas obras já foram vistas em exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior, notadamente no Centro Cultural São Paulo, no Instituto Tomie Ohtake, no Paço das Artes, no SESC Vila Mariana, e nas galerias Sancovsky, Zipper e Bolsa de Arte (SP) bem como na Casamata, no Centro Cultural Sergio Porto e no Espaço Cultural do BNDES (RJ), e na Universidade Torcuato Di Tella (Buenos Aires). Seus escritos, incluindo entrevistas, traduções, ensaios e crÃticas, podem ser encontrados tanto em revistas de literatura como Serrote (Instituto Moreira Salles – RJ), revistas de artes como Amarello (SP) e Ocutopus Notes (Paris), bem como publicações acadêmicas, como Concinnitas (pós-graduação em artes — UERJ) e Poiésis (pós-graduação em filosofia – UFF-Rio).

Sobre a Temporada de ProjetosA vocação experimental do Paço das Artes é constatada, principalmente, por meio da Temporada de Projetos, que foi criada com o objetivo de abrir espaço Ã produção, fomento e difusão da prática artÃstica jovem. Concebida em 1996, a Temporada de Projetos teve sua primeira exposição realizada em 1997 e se tornou, ao longo dos anos, um rico celeiro para a cena da jovem arte contemporânea brasileira.

Anualmente, a Temporada abre uma convocatória nacional selecionando nove projetos artÃsticos e um projeto de curadoria para serem desenvolvidos e produzidos com o respaldo do Paço das Artes. Os selecionados recebem acompanhamento crÃtico, a publicação de um catálogo sobre suas obras e um cachê de exibição. Desde seu surgimento, quando ainda era bienal (tornando-se anual em 2009), o programa possibilita a emergência de inúmeros artistas, curadores e crÃticos, muitos deles presentes na cena artÃstica atual.

Em 2014, o Paço das Artes lançou a plataforma digital MaPA, concebida por Priscila Arantes, que reúne todos os artistas, curadores, crÃticos e membros do júri que passaram pela Temporada de Projetos.

SERVIÃO Temporada de Projetos 2018 – Paço das ArtesArtista selecionado: Daniel Jablonski — Still BrazilAcompanhamento crÃtico: Nathalia LavigneJúri: Clarissa Diniz, Diego Matos, Lúcio Agra e Priscila ArantesAbertura: 30 de janeiro de 2018, terça-feira, 19hVisitação: até 18 de março de 2018Grátis

Paço das Artes no MISAv. Europa, 158, Jardim Europa, São Paulo/ SP; tel.: (11) 2117-4777Horários: terça a sábado das 12h Ã s 21h; domingos e feriados das 11h Ã s 20hAgendamentos de visitas orientadas: educativo@pacodasartes.org.brFale conosco: pacodasartes@pacodasartes.org.brwww.pacodasartes.org.br http://mapa.pacodasartes.org.br

Informações para a imprensa – Paço das ArtesFlávio Silva | flavio.silva@pacodasartes.org.br | (11) 2117-4777 – R. 432

Informações para a imprensa – Secretaria da Cultura do Estado Gisele Turteltaub | gisele@sp.gov.br | (11) 3339-8162 Viviane Ferreira | viferreira@sp.gov.br | (11) 3339-8243

Agenda

exposição passada

E o palhaço, quem é?

02 Fev / 31 Mar – Gratuita

Visitação

30/01/2018 a 18/03/2018

—

Em “Still Brazil”, Daniel Jablonski dá forma a uma extensa pesquisa acerca da representação da imagem do Brasil em outras culturas, com foco em obras cinematográficas

Nathalia Lavgne

Abaixo, a entrevista concedida pelo artista Daniel Jablonski à crítica Nathalia Lavigne.

Nathalia Lavigne: Queria começar perguntando sobre a ideia de narrativa, um aspecto forte no seu trabalho. Como é, neste projeto, partir do cinema, um meio em que ela existe por natureza, para desmembrar a trama e estrutura dos filmes completamente? Daniel Jablonski: Estava interessado em fazer uma contraleitura desses filmes. Porque há claramente ali a narrativa de ficção, mas é também possível encontrar por baixo algo da ordem do documento. E é justamente onde o clichê habita. Essas centenas de referências ao Brasil não são importantes para as tramas, mas ainda assim estão ali, quase como puros fatos. Mostrar o tanto que há de não-ficção nesses filmes é também apontar para a natureza do que é um clichê: uma imagem que um dia foi original, mas que foi gasta pela repetição.

Uma das maneiras que encontrei de fazer essa contraleitura foi pela desarticulação da narrativa. No cinema de ficção, tudo é pensado em termos de trama, mas essa totalidade narrativa esconde suas camadas, a verdade daquilo que é artificioso. Ao desmontá-la é possível analisar cada parte em detalhe: still, áudio, cancioneiro, ficha técnica e imagem em movimento. É o que acontece na exposição: assim decomposta, ela propõe ao público que pense e veja aqueles filmes para além ou para aquém da narrativa dominante. NL: Por que o filme “Brazil” (1985), do Terry Gilliam, foi importante nesse trabalho? DJ: Esse filme é paradigmático para o projeto. Primeiro porque me deu o modelo do que estava procurando: não é sobre o Brasil, não há nada que se possa associar diretamente com o país, mas se chama Brazil. Ele introduz a questão mais geral: por que o país é uma obsessão referencial no imaginário estrangeiro, mas sempre uma referência lateral? Há também ali uma pista central: a música de Ary Barroso, Aquarela do Brasil, que aparece na sua versão norte-americana [traduzida como Brazil]. Ao contrário da letra original, que é um samba exaltação – “Brasil, Meu Brasil, Brasileiro” – esta consiste na transposição do ponto de vista do eu lírico. Já não é mais o brasileiro louvando seu próprio país, mas o estrangeiro que vê o Brasil como um lugar utópico, edênico, onde alguma coisa maravilhosa já aconteceu, e ao qual ele quer, mas não consegue voltar.

O Brasil aparece, nessa música, como o lugar da fuga, um avesso da realidade, no qual se projetam todos aqueles desejos que não podem se cumprir. A cena final do filme, notadamente, funciona como uma síntese perfeita dessa ideia: o protagonista está sob um domo que é “lugar nenhum”, amarrado a uma cadeira, fugindo dali em um estado de alucinação, ao som de Aquarela. Nesse exato instante, a legenda mostra a letra da música da música cantada em inglês: “Return I will / “To old Brazil”. NL: Como foi a metodologia usada nesse trabalho e de que maneira sua experiência prévia como pesquisador aparece em seus projetos? DJ: A pesquisa nasceu a partir de uma anedota pessoal: ao assistir filmes antes de dormir notei a repetição da menção ao Brasil em títulos aleatórios. Em seguida entrou o meu background de pesquisador: comecei a buscar um método que me ajudasse a reunir um número razoável de dados. Foi então que descobri um buscador maravilhoso na internet chamado QuoDB | The movie quotes database, que cruza roteiros de filmes. A partir de uma busca inicial cheguei a um resultado na casa dos milhares e fui eliminando: se tinha alguma relação com o país, se tinha ator ou produtor brasileiro, etc. Dentro do conjunto que restou de quase 900 filmes, fui tirando o que queria – exatamente as cenas em que aparece o documento, o clichê em seu estado bruto. No fundo, toda a exposição consiste nessa operação de congelar algo. Isso significa extrair a narrativa, os personagens, a música, guardar só o momento em que aquele dado aparece. NL: Como foi sua transição de pesquisador, na área da filosofia, para artista visual e o que te fez ir para essa outra atuação? DJ: O que me incomodava no mundo a acadêmico não era nem a motivação, nem o método, mas unicamente o produto. Em geral, artigos e teses são formatados de um jeito que os tornam acessíveis apenas à meia dúzia de pessoas, que são seus colegas na universidade, também pesquisadores. E o que você faz em um artigo, normalmente: apresenta um problema, explica o seu método e tira as conclusões. É uma espécie de ciclo completo. O que tento, como artista visual, é usar esses métodos e aplicá-los a problemas da vida cotidiana. Isso acaba por aproximar o público, que pode se identificar com qualquer um desse temas: hoje, por exemplo, todo mundo assiste filmes em casa. Mas talvez a maior diferença em relação a um trabalho acadêmico esteja no fato de não tirar as conclusões.

O que tem de bonito em uma obra é que cabe ao público fazer isso. Esse trabalho aposta em um método exaustivo que não descrimina o seu material, mas o apresenta da forma mais aberta possível. Claro, o público de artes visuais também é específico, mas ainda é mais aberto do que na academia.

NL: Como foi o processo do livro O Boletim da Juventude (2014), que é seu primeiro trabalho como artista ou quando você define a intenção? DJ: Não é meu primeiro trabalho, mas um trabalho sobre o início. De quando eu era estudante e, já insatisfeito naquele meio, comecei a me perguntar como seria concretizar a ideia de fazer arte. Como se faz arte? É preciso ser artista. Mas como se é artista? Tem que fazer arte. É um circuito fechado, principalmente para quem vem de outra área. Então a conclusão a qual cheguei é que para furar o circuito é preciso inventar mesmo. E O Boletim da Juventude, resultado de uma conversa entre amigos durante uma madrugada em 2009, é um pouco essa tentativa de construir algo que viria a existir porque aquele livro permitiria. Ele cria um background de elementos reais ao mesmo tempo em que explicita a vontade de querer mudar de rumo.

Nessa época estava estudando os artistas conceituais americanos – Joseph Kosuth, Douglas Huebler, Lawrence Weiner. Uma das maneiras que eles fizeram para o seu trabalho circular, no fim dos anos 1960, foi criando um contexto próprio. Eles inventaram, por exemplo, uma entrevista em que explicam o que é a arte conceitual. E o entrevistador tem o nome de Arthur R. Rose, um trocadilho infame com o Rrose Sélavy do Duchamp. A entrevista é fake, o entrevistador não existe, mas ela cria um contexto discursivo para esses artistas. É um trabalho sobre a inserção do trabalho. O Boletim da Juventude tem esse lugar. Ele quase não é obra, mas um contexto no qual todas as outras obras se encaixam. NL: Por fim, queria te perguntar sobre o papel discursivo na sua produção e a importância da fala do artista. DJ: O que eu procuro fazer nos meus trabalhos é contar uma história. Há sempre uma questão narrativa, mas ela é sempre documental. Nesse sentido, a fala aparece como uma maneira de articular elementos que já existem, sem nunca tomar o lugar deles: a interpretação não pode substituir o trabalho. Ela não explica, ela é o próprio trabalho. A questão da fala, mais uma vez, foi algo que eu tirei da arte conceitual, quando a linguagem invade o campo da arte. Eles defendiam que existe uma atribuição do artista em apresentar seu trabalho. Se você não fizer isso, alguém vai fazer por você. Possivelmente, mal. Essa função inclui apontar os contextos físico-arquitetônicos, históricos, sociais, institucionais onde seu o trabalho está inserido. Acho que cabe a mim tentar apresentá-lo da melhor forma possível, mas outra coisa é o que vão fazer com ele depois, e aí não tenho mais monopólio de nada. Minha fala, nesse caso, é como qualquer outra, ou até pior.

Agenda

exposição passada

E o palhaço, quem é?

02 Fev / 31 Mar – Gratuita